Un camino desde la época de la esclavitud.

Antes de iniciar este recorrido, es necesario hablar sobre la evolución de distintos ritmos colombianos que son parte fundamental y sientan las bases a la hora de analizar o hablar de nueva música Colombia hecha con ritmos de la costa caribe.

El Bullerengue es la expresión artística que resiste y permanece al pasar los años desde la época de la esclavitud. Su lugar de origen aún no está definido, según Silva (2017), el Bullerengue proviene de "zonas aledañas al canal de Dique, cerca de Cartagena, en los poblados constituidos por negros que huían de la esclavitud, principalmente en la zona de Barú", y así es como llegaría a los territorios de Córdoba y Urabá.

Según Juan Sebastián Rojas en el texto ‘El bullerengue grande de Urabá’ (como se citó en Silva, 2017), un factor que influyó en la difusión de este género por gran parte del Caribe, fue la llegada de este al Urabá en el siglo XVIII, debido a la relación comercial que había entre esta zona y Bolívar, "al ser escala obligada para el comercio que venía de Cartagena y entraba por el río Atrato".

Silva explica más a fondo cómo las comunidades cercanas se comunicaban entre ellas:

En poblaciones como María la Baja (Bolívar), Puerto Escondido (Córdoba), Chigorodó, Arboletes y Necoclí (Antioquia), existió una gran comunicación entre los pueblos afrodescendientes del Canal del Dique (María la Baja, Rocha, San Pablo, Evitar, Mahates, Soplaviento), la bahía de Cartagena (Barú, Bocachica, Cartagena, la Boquilla y Pasacaballos) y el litoral de los departamentos de Sucre, Córdoba y Antioquia, con el desplazamiento de familias hacia el sur en busca de tierras para cultivo, quina y tagua que para inicios del siglo XX eran productos muy apreciados dentro de la economía extractiva de nuestro país.

(Silva, 2017).

Foto sacada de la revista Credencial - EL RITUAL DEL BULLERENGUE

Un factor que ayudó a la extensión del Bullerengue por todo el país fue la industrialización de actividades económicas que trajo el siglo XX, siendo en la década de 1930 la industria de la música quien tuvo gran impacto en la costa atlántica, lo cual conllevó a un despliegue de aire folclórico, sobretodo en las zonas centralizadas donde aún los valores europeos y la "raza blanca" predominaban, obligando a los intérpretes de esta música a disfrazarse o "blanquearse" para ser aceptados por las poblaciones andinas (Silva, 2017).

Entrando en su organología, el Bullerengue se interpreta con dos tambores. El tambor alegre o tambor hembra, bien lo describe Valencia (2020): "es el que alegra... el que acompaña a la cantadora cuando se está haciendo la ejecución del Bullerengue", y el llamador o tambor macho, marca la cadencia de la mujer a la hora de bailar (Valencia, 2020), y las cantadoras acompañan con las palmas.

El Bullerengue tiene tres aires representativos:

Sentao: "es el ritmo de lamento, en el que se cantan a las cosas tristes, en el baile la mujer demuestra la sutileza, la delicadez, la tradición que tiene encima, es un ritmo netamente de esclavos" (Valencia, 2020).

Chalupa: Según Valencia (2020) este ritmo es mas rápido, esto debido a que cuando los negros estaban esclavizados, su dueño le pedía que tocara para celebrar un logro.

-Fandango de lengua: Cuando el negro se libera de la esclavitud, va a las montañas a buscar un sitio en donde vivir, es aquí donde se encuentra con un indígena y de aquí nace este aire que combina lo indígena con lo afro.

Foto sacada de la revista Credencial - EL RITUAL DEL BULLERENGUE

Surgimiento de la cumbia

Continuando con el trayecto por estas músicas colombianas, hablaremos ahora de la cumbia, y para ello, tenemos que hablar de los grupos de gaitas colombianas, que mezclan la gaita tradicional indígena de los Kogui y los Cunas con los tambores de los esclavos africanos.

Los grupos de gaita se popularizan en las comunidades que habitan en los Montes de María, como San Jacinto, Carmen de Bolívar, San Juan Nepomuceno y de las más conocidas, la comunidad de Ovejas, donde según Recess Time (2023), "se concentraron muchos asentamientos de esclavos traídos por los colonizadores, donde estos afroamericanos con sus instrumentos de percusión acompañaban la Gaita Colombiana". Teniendo el ritmo africano en los tambores y las melodías indígenas en las gaitas, solo faltaba la lírica española.

Ya para el siglo XIX, Robles (2015) habla de una consolidación en el formato de una agrupación de gaita, inicialmente usando los tambores alegre y llamador, posteriormente vendría la tambora al conjunto, las maracas y las gaitas hembra (que contiene 5 orificios y es la que lleva todas las melodías) y macho (solo cuenta con dos orificios y realiza pequeños contrapuntos a la melodía de la gaita hembra). Esto llevó a que surgieran nuevos géneros musicales como el merengue, la gaita, la puya corrida, el paseo, el merengue golpeao’, el porro palitiao’ y la cumbia (SINIC).

Foto sacada del sitio web FLICKR de Javier Pinentel

Estos son algunos algunos ejemplos de cada aire de la gaita:

Gaita Corrida: La gaita corrida tiene un ritmo muy parecido a la cumbia, pero los golpes del alegre van un poco mas atresillados (Galindo, 2021).

Porro de Gaita: su golpe característico se desarrolla mas al borde del tambor alegre (Canteo)(Galindo,2021).

Merengue de Gaita: Su velocidad aumenta un poco mas.

Cumbia de Gaita:

Foto sacada del sitio web lloronarecords.com

De la Polca a la Gaita

Ya hablamos del bullerengue y de la cumbia de gaita, dos posibles antecesores del Porro, según Bedoya. Hablar de los orígenes de este género es complicado, ya que no se sabe con certeza de dónde proviene. Algunos aseguran que es oriundo de San Marcos del Carate, otros que es de Ciénaga de Oro. Alguien sostiene que es oriundo del Magdalena. También se dice que nació en El Carmen de Bolívar y de allí migró hacia otras poblaciones de la sabana, hasta llegar al Sinú (Bedoya, 2018). Esto hablando del Porro Tapao', haciendo referencia al tapado que se le hace al parche del bombo a la hora de ejecutar este ritmo.

Hablando del Porro Palitiao, Bedoya dice:

Del "palitiao" se acepta comúnmente que su nacimiento se dio en San Pelayo, y para que no haya dudas, se ofrecen lujos de detalles, como los que aporta Orlando Fals Borda: «Nació en 1902, en la plaza principal del pueblo, detrás de la iglesia y debajo de un palo de totumo».

El Porro, en un inicio, era interpretado por los grupos de gaitas indígenas que, con la llegada de los esclavos africanos, se le sumaría la rítmica de los tambores. Villalobos (2011), en una descripción del porro, cita a Guillermo Valencia Salgado, quien afirma que "su principal fuente creativa se encuentra en elementos rítmicos de origen africano, principalmente de antiguas tonadas del pueblo Yoruba que, en el Sinú y en San Jorge, dieron lugar al surgimiento del baile Cantado". Dicha afirmación confirma que, al igual que el bullerengue, el porro se interpretó en un inicio con palmas y tambores.

Foto sacada del sitio web Pinterest del perfil de Culturas Albergues

Las bandas compuestas por trompetas, clarinetes, redoblante, bombo, bombardino, platos y trombones, cuando llegaron al país, eran utilizadas para amenizar las fiestas de salón y solo interpretaban música de las clases altas como mazurcas y polcas, pero en poco tiempo, estas bandas empezarían a ser requeridas para alegrar las fiestas de Corralejas, las fiestas de toros, opacando los conjuntos de gaitas debido a la gran resonancia de los instrumentos europeos. Fue así como las bandas dejaban de lado su repertorio europeo por la música autóctona popular (Botero, 1989).

Estos son algunos ejemplos de porros tradicionales:

Porro Palitiao o Pelayero: Su ritmo inicial es bastante parecido a un danzón (según Botero (1989), porque el primer director de banda era un cubano), luego desarrolla un contrapunteo, en donde se hacen preguntas y respuestas entre voces graves y agudas. La tercera parte se le llama Bozá (que significa bozal, lazo que amarra), donde se destacan las melodías de los clarinetes, inspirados en las melodías realizadas con las gaitas. El porro termina con el ritmo inicial (Botero, 1989).

Porro Sabanero o Tapao: A diferencia del porro palitiao, el sabanero cuenta con una estructura más clara, normalmente no contiene improvisación y también suprime la sección bozá (Díaz, Hernández, Helena, Baldovino, González, Álvarez y Redondo).

Foto sacada del sitio ensuncho.blogspot.com, Huele a porro - Real Caribe

De grandes orquestas a grupos de garaje.

A mediados de los años 50, el porro tuvo gran influencia en la ciudad de Medellín, donde se encontraban la mayoría de casas disqueras. Valencia (2019), en el libro "Deconstruyendo el Chucu-chucu, Auges, declives y resurrecciones de la música tropical colombiana", menciona que:

Contrario a lo que podría parecer, la capital del país, Bogotá, limitaba su alcance artístico en muchos niveles que iban desde las formas receptivas de un público frío y esquivo ante las sonoridades costeñas, hasta las condiciones laborales restringidas a espacios cerrados, generalmente accesibles solo mediante membresías de élite. Dicha limitación no la encontró en Medellín. Entre 1950 y 1960, se desarrollaron en Medellín más de diez sociedades comerciales que cubrían el espectro industrial de la producción discográfica, entre ellas Ondina, Silver, Sonolux, Victoria, Zeida, Lyra y Fuentes, que impulsaron de manera determinante las formas de recepción colectiva de ciertos productos musicales, relacionados con la aceptación definida ya por la radio de ciertos repertorios. (Valencia, 2019)

Es así como se empiezan a dar a conocer las distintas expresiones musicales de la costa y como se populariza a nivel nacional e internacional las primeras hibridaciones de estos géneros, especialmente del porro, del que Luis Eduardo Bermúdez (Lucho Bermúdez) tomaría inspiración para llevar a cabo su proyecto artístico.

Nacido en Carmen de Bolívar el 25 de enero de 1912, Lucho Bermúdez demostró un gran interés por las músicas tradicionales de su tierra, siendo inmerso en el aprendizaje de esta a la edad de 6 años por su tío, José María Montes, músico y director de banda. Pero es hasta los 10 años que, con su tío materno, Jorge Rafael Acosta, afianza su aprendizaje, enseñándole a tocar saxofón, trombón de pistón, trompeta y clarinete, instrumentos que lo seducen hasta el día de su muerte. Cuando llega a Cartagena se une a la orquesta A#1, liderada por José Pianeta Pitualá, pero luego la abandona para formar su propia agrupación, La Orquesta del Caribe (Zamora, 2012).

Foto sacada del sitio Soycolombiano.com - LUCHO BERMÚDEZ, 100 AÑOS DE SU NATALICIO

Lucho Bermúdez no fue el primer músico en realizar arreglos orquestales en músicas populares, pero su estilo, al incluir material externo como el swing y el jazz que sonaba en los bailes de salón de las clases altas, hizo que su música también tomara un lugar en estos escenarios, teniendo un formato Big Band de jazz estadounidense (Valencia, 2019).

La música de Lucho Bermúdez tuvo tanta aceptación y popularidad que en los años 60, inspiró a muchos jóvenes de la ciudad de Medellín a buscar la forma de interpretar estos géneros y adaptarlos a instrumentos muy apartados de lo que ya se había enmarcado como "tradicional". Es así como en fiestas y reuniones familiares, aparecen muchachos de colegio interpretando canciones del repertorio de grandes compositores como Pedro Laza, Pacho Galán y Edmundo Arias, adaptados a instrumentos como el bajo, la guitarra eléctrica, la batería y los sintetizadores.

Muchos de los defensores de la cumbia de Bermúdez denigraban lo que en ese entonces se llamaba "Cumbia Urbana" por la simplicidad en su estructura armónica y melódica, y las letras que consideraban absurdas, sin embargo, la influencia de la estética de bandas estadounidenses en aspectos como la forma de vestir o los nombres en inglés de las agrupaciones, llamaron la atención de las generaciones más jóvenes de ese entonces. Es así como la cumbia urbana sufrió un proceso de popularidad y, en los años 70, finalmente una aceptación (Valencia, 2019).

Los Teen Agers y los Golden Boys fueron algunas de las agrupaciones pioneras del movimiento juvenil de cumbia urbana.

Foto sacada del sitio Vice.com - Gustavo "El Loko" Quintero: el primer rockero colombiano

El chucu-chucu

El chucu-chucu es el nombre que se le dio a la evolución de la cumbia urbana anteriormente mencionada. Su nombre proviene de una onomatopeya a la que se referían los antioqueños al ritmo que producen las maracas en la cumbia. También hace referencia al sonido que hacen los pies a la hora de bailar (Chucu chucu, una revolución urbana y tropical, s.f.).

Para hablar de la evolución de este género, es necesario hablar de la evolución de sus grandes representantes y sus aportes para sentar las bases del chucu-chucu:

Gustavo Quintero, quien lideraba los grupos Los Graduados, Los Hispanos y los ya mencionados Teen Agers, fue un referente para las letras irreverentes, las puestas en escena extravagantes y la adaptación de otros ritmos como el tango y el fandango al formato del chucu-chucu (razones por las que se le llamaba "el loko") (Valencia, 2019).

Pedro Garcés fue guitarrista de Los Golden Boys, los cuales iniciaron con los primeros aspectos del rock tropical. La propuesta de Garcés en la guitarra es de carácter melódico, apoyando las frases principales de los vientos, dándole una sonoridad característica. Más adelante empezaría su proyecto solista "Pedro Jairo Garcés y su guitarra estereofónica" en el que, a inicios de los 70, junto con la agrupación Afrosound de Mariano Sepúlveda, indagarían con la cumbia psicodélica que surgía en Perú (Valencia, 2019).

Foto sacada del sitio music.apple.com - 16 Grandes Éxitos de Los Hispanos

El formato y el ritmo que tenía la cumbia urbana fue tan llamativo y popular que impactó en el mercado Venezolano, surgiendo agrupaciones como la Billos Caracas Boy, su musica combinaba la orquestación de Lucho Bermudez con la simplesas melodicas del naciente chucu-chucu, añadiendo instrumentos mas caracteristicos de la salsa como los timbales, las congas y el güiro(Valencia,2019).

Esto hace que Los Black stars, una agrupación que inicialmente tocaba el denominado Rock n roll tropical, mas adelante definiera un formato final para para las orquestas tropicales de chucu-chucu, reemplazando la batería por los instrumentos de percusión que incluyeron los Billos Caracas Boys(Valencia, 2019).

El chucu-chucu que se hacía en venezuela estaba teniendo mas alcance y hacia difusa la diferencia con la musica colombiana, esto hizo que surgiera un grupo promovido por Antonio Fuentes (director de Discos Fuentes), liderado por Daniel Cervantes, que tuviera mas identidad colombiana, en un formato híbrido entre los tambores tradicionales de la música de gaita, los instrumentos de viento y el bajo eléctrico. Así nacen los Corraleros de Majagual, dándole prioridad a la cumbia con acordeón(Valencia,2019).

Es así como se termina de consolidar esta nuevas expresiones de música colombiana, dando como resultado un montón de orquestas tropicales que hasta los tiempos de hoy aun resuenan en las reuniones familiares y las celebraciones decembrinas.

Foto sacada del sitio otraparte.org - La Bilo's Caracas Boys

La Cumbia Peruana.

Uno de los pioneros de la Cumbia Peruana fue Enrique Delgado Montes, un músico guitarrista que en sus inicios tocaba Huayno, género peruano de la zona andina. A sus 17 años se interesó por la guaracha de la Sonora Matancera, siendo parte de la orquesta de Lucho Macedo. Más tarde formaría un nuevo grupo llamado "Enrique Delgado y Sus amigos", donde tocaban covers de Elvis Presley. Ya para los años 60, decide cambiar el nombre del grupo, llamándolo "Los Destellos" e incursionando en un nuevo género que mezclaría la música tradicional del Perú, la guaracha popularizada en la ciudad de Lima y el formato de rock de los años 50, creando así la Cumbia Peruana, que viajaría por todo el país, haciendo que la guitarra eléctrica tuviera un papel protagónico en las melodías (Delgado, 2019).

Es así como nacieron agrupaciones como Manzanita y su conjunto, Los Shapis y Los Mirlos, estos últimos diferenciando su sonido de las demás agrupaciones, así como lo explica el fundador de esta banda, Jorge Rodríguez:

"Dándole un color especial a la guitarra, un sonido especial que lo identifica, y esto fue nuestra banderita también al llevar ese estilo, ¿no?, y nuestras raíces culturales selváticas" (Rodríguez, 2019).

Ese sonido único de Los Mirlos fue influenciado por las cumbias hechas en la selva, lo que se llamó la Cumbia Amazónica, la cual cuenta con una sonoridad más psicodélica. El grupo más representativo de Pucallpa fue Juaneco y su Combo, grupo liderado por Juan Wong Paredes, quien consiguió músicos de esta región para conformar esta agrupación. Su estilo de música se caracterizó por la mezcla de la cumbia colombiana, el samba brasileño y la guitarra del Perú (Wong, 2019).

Las Nuevas Músicas
Colombianas

Foto sacada del sitio elcomercio.pe - A 50 años del primer LP de Los Destellos

La definición de nuevas músicas colombianas, según Antonio Arnedo (2018), "es toda aquella música que en su contenido propone o busca redefinir o profundizar en los lenguajes de las músicas locales". Desde los años 60 con bandas como Los Teen Agers, Los Golden Boys y todos esos grupos que iniciaron con el Rock tropical, comenzaron a desdibujar esta fragmentación entre lo urbano y lo rural (Nuevas Músicas Colombianas, 2018).

Este concepto de nuevas músicas colombianas pasa por tres fenómenos importantes para referenciar: el jazz, el fenómeno Vives y el rock.

En el jazz, se podría hablar de Luis Rovira, quien reversionó canciones tradicionales del repertorio colombiano a un contexto jazzístico con su sexteto bogotano. Charles Mingus con su disco "Cumbia and Jazz Fusion", en el que utiliza los ritmos y los instrumentos (caña de millo, tambora y tambores alegre y llamador) del complejo de gaita y le suma arreglos de vientos y secciones a ritmo de jazz. Incluso se puede mencionar a Lucho Bermúdez con sus arreglos de porros a una orquesta de Big Band (Nuevas Músicas Colombianas, 2018).

A inicios de los 90 con la llegada del disco y los canales de difusión musical como lo fue MTV, Carlos Vives con su proyecto La Provincia, se interesó desde un principio en las influencias populares como el Rock, reversionando canciones del repertorio clásico del Vallenato. Ya en su trabajo de "La Tierra del Olvido" se ve una necesidad de "mirar hacia adentro" y sentirse orgulloso de lo propio.

Con las bandas de rock colombiano, llega la proyección internacional de la nueva música bailable producida desde la ciudad de Bogotá, en donde grupos como Bloque de Búsqueda, Aterciopelados y Sidestepper fusionarían elementos de lo popular urbano con la música tradicional del país. Bien lo dice Mario Galeano:

"En la ciudad como tal no tiene un ancestro caribeño,[....] es muy diferente la vivencia en la calle de la música tropical acá que en la costa, [...] hay una faceta de la experimentación tropicalista que pasa en Bogotá y no pasa en otras ciudades del país, hay una serie de bandas, La Máquina del Caribe, Bomba Estéreo, Sidestepper, que son proyectos que se generan desde acá [...] esa experiencia bogotana nos ha hecho irnos por un lado de la cumbia donde se utiliza la electrónica y viendo cómo tener una voz propia en ese ambiente" (Galeano, 2019).

Foto sacada del sitio issuu.com - Revista Shock Edición Bicentenario

Estos son algunos artistas y agrupaciones que proponen o agregan nuevas formas de hacer músicas tropicales